L'imprevedibile Viaggio di Harold Fry Regia: Hettie Donald (2023) 

Si torna a parlare di cinema e di cinema fatto da donne che sembrano in questo momento storico più ispirate di noi maschietti. Hettie Donald regista ampiamente usata in moltissime serie TV di successo fa di nuovo centro con il suo secondo lungometraggio dopo il buonissimo esordio di Beautiful Thing del 1996. Questo periodo lunghissimo tra un film e l'altro la dice lunga sullo stato attuale del cinema,  una regista di talento come la Donald infatti ha ripiegato per quasi un ventennio sulle inflazionate SerieTV (che per me rimarranno anche nella migliore delle ipotesi un prodotto surrogato e per forza di cose, minore) piuttosto che sulla settima arte ormai forse poco retribuita.

Tratto dall'omino romanzo, anch'esso splendido che mi ipnotizzò in un estate di diversi anni fa il film segue un andamento piuttosto lineare, dopotutto la trama è semplice dove il nostro Harold, uno strepitoso Jim Broadbend decide di percorrere 800km a piedi per andare a trovare una sua amica gravemente malata con cui, molti anni prima aveva condiviso un momento saliente della sua esistenza.

Intorno a questa trama la Donald costruisce una regia raffinata dove i primi piani del protagonista e alcuni piani sequenza donano alla pellicola una sorta di poeticità rendendo il film una via di mezzo tra "Una Storia Vera" di Lynch e "Forest Gump".

Il viaggio del protagonista oltre che spirituale è anche fisico, metaforico, perché con l'avanzare del tempo si comprende come forse non abbiamo bisogno di nulla, orpelli tecnologici come GPS, cellulari, stanze d'albergo lasceranno spazio alla sola natura e qui ritorna prepotentemente anche un pò il concetto ampiamente sviluppato da Penn in Into The Wild.

Un film che proprio come lo stupefacente Aftersun ci riconnette con  l'arte imprevedibile improbabile che ci ricorda ancora una volta che il cinema andrebbe protetto, cullato, custodito, amato. 4/5

26 Giugno 2018

TAKESHI KITANO

Qui siamo davvero su livelli altissimi. Takeshi Kitano lo scoprii in quel capolavoro di "Merry Christmas Mr Lawrence" che incrociai, non per sbaglio in un lontanissimo 1989 nello struggente ed impressionante lungometraggio di Nagisa Oshima. Kitano aveva una parte secondaria e tutta l'attenzione, almeno mia era per i due protagonisti musicisti, Bowie e Sakamoto che già adoravo. Beat Takeshi (il suo pseudonimo per chi non lo sapesse) era alla sua prima prova da attore e sinceramente impressionò non poco soprattutto in quella sua battuta che di fatto chiudeva e dava il titolo al film. Persi le sue tracce, per qualche anno.

Nei primissimi anni 90 lasciavo tutte le sere la cassetta del mio videoregistratore su LP (ricordate?) per avere 6 ore di registrazione filata in modo da poter avere tutta la trasmissione "Fuori Orario" di Enrico Ghezzi che di fatto mi ha totalmente formato culturalmente. In una di quelle mie cassettine che poi rivedevo interamente tutti i fine settimana con il mio amico Massato scoprii "Violent Cop", primo film scritto, diretto e interpretato dallo stesso Kitano.

Che folgorazione!

Avevo nella mia cameretta un cineasta giapponese, nato come comico (ve lo ricordate mai dire banzai?) che non solo aveva diretto un film capolavoro ma che di fatto era riuscito ad interiorizzare dentro la sua opera tutto Bergman e la cultura europea che io amavo di più. Fu amore a prima vista.

Nella poetica di Beat Takeshi non era presente soltanto il pulp e una certa idea di violenza (che poi riprenderà a piene mani Tarantino) ma la poesia malinconica di un pierrot triste che ha fatto del minimalismo, anche recitativo, non solo la sua cifra stilistica ma una nuova chiave di lettura di tutta la settima arte a venire. In Kitano c'è tutto il cinema precedente ma appare nuovissimo sopratutto in una messa in scena originale e mai banale neppure nei suoi momenti più bassi (pochi).

"Violent Cop" fu però soltanto l'apripista, un inizio col botto per un crescendo di cui francamente non si ricordano casi analoghi (mi viene in mente soltanto Kubrick).

"Il silenzio sul mare" (1991) certo, "Sonatine" (1993) con quella battuta recitata con leggerezza ma anche violenza dallo stesso Kitano: "è bello non aver pudore!" che di fatto ha commosso non pochi spettatori. Ma sopratutto direi "Hana-Bi Fiori di Fuoco" che non gli valse soltanto il Leone d'Oro a Venezia, ma ha permesso al nostro beniamino di entrare nell'olimpo dei più grandi di tutti i tempi. "Hana-Bi" è il film perfetto per messa in scena certo, per come vengono trattate alcune tematiche care al regista (amore, vendetta, morte, arte ecc.) ma sopratutto per la sua interpretazione da attore, quasi inespressivo (per via di un grave incidente che ebbe in moto prima delle riprese) Kitano appare quasi come una figura straniante, una perla che scandisce con il giusto tempo in movenze azzeccatissime una pellicola che rimarrà per sempre tra i film più importanti della storia del cinema.

Per finire voglio segnalare il bellissimo "Dolls" che solo per la messa in scena vale un applauso di una settimana.

19 Settembre 2019

C’era Una Volta a... Hollywood (2019)

Tarantino è una forza della natura, subisce innamoramenti continui e questa volta stravede per due ragazzi di destra, reazionari, zoticoni, insomma Rick Dalton (Di Caprio) e Cliff Booth (uno strepitoso Brad Pitt) usciti dalla seconda guerra mondiale per fare uno l’attore e l’altro la sua controfigura.

Questo è un film bellissimo che parla dell’eterno ritorno, una fiaba moderna dove i nostri beniamini da principi diventano un po’ straccioni, perché nei 6 mesi di quel 1969 dove il film è ambientato cambia tutto, Hollywood certo, ma anche il mondo.

C’è una nuova dinastia che sta arrivando, forse influenzata dal 68 Francese, un’élite in cui un polacco, ebreo, basso e brutto (Polanski) sposa la donna più bella del cinema e fa i soldi con un film satanista (Rosemary’s).

La donna è più alta dell’uomo, l’America va verso la Polonia e la vecchia Hollywood anche se abita ad un civico di distanza non si orienta più ed è bravissimo in questo senso DiCaprio ad interpretare questo stato d’animo, questa malinconia dei tempi andati.

Un film sul doppio, sul lavoro, sulla nascita di una star (che nella realtà non nascerà mai) e sul declino di un’altra, con un Pitt che però soffre meno di DiCaprio, perché lo fa da una vita, cade (simbolicamente anche sul set) ma è abituato e il dolore non lo sente quasi più ed è sempre pronto a rialzarsi. Un capolavoro!

6 Luglio 2018

Oltre La Notte di Fatih Akin (2017)

Altro film che mi sento assolutamente di consigliare prima delle ferie estive è questo struggente e toccante "Oltre La Notte" ultimo lavoro di quel Fatih Akin che ci aveva stupito con il bellissimo Soul Kitchen uscito nel 2009 ma anche con la "Sposa Turca" del 2004.

Il film si ispira all'attentatto terroristico di Colonia avvenuto nel 2004 da parte di una cellula terroristica neonazista e in qualche modo si potrebbe pensare ad un altro "...Attacco Al Treno" di Eastwood ma qui siamo da tutt'altre parti.

ll film è durissimo, cupo e violento ma non nelle immagini, tutt'altro, si assapora una violenza interiore che più si va avanti nella visione e più penetra dentro lo spettatore. Il film l'ho dovuto vedere più volte perché Fatih Akin, il regista, sembra quasi non fare nulla di eclatante con la macchina da presa invece riesce a compiere un lavoro di sottrazione così grande che certe scene, certi sguardi, rimangono impressi per giorni e giorni e questo è sempre sinonimo di grandezza.

Certo il film vive della grandissima interpretazione della protagonista, una sempre bellissima Diane Kruger che dopo Bastardi Senza Gloria (Tarantino) e il significativo Autoreverse che in qualche modo la lanciò qui riesce a toccare altissimi livelli recitativi (sua e meritata la palma d'oro a Canes) e si amalgama alla perfezione con il minimalismo registico. Lei ha perso tutto quello che amava (figlio e marito nell'attentato) ma rimane un'eroina Rock (Queens Of The Stone Age in colonna sonora) e in qualche modo si adopererà nei tre atti del film (girati con tre stili diversi!) per la sua personale vendetta.

Golden Globe ma non Oscar (sticazzi!) "Oltre La Notte" va comprato e tenuto nella propria collezione anche solo per la bellissima scena finale che in qualche modo mi ha ricordato il miglior Kitano.

01 Aprile 2019

SCOTT WALKER (9 GENNAIO 1943 – 22 MARZO 2019)

In questi anni dove si guarda compulsivamente uno schermo di cellulare e a malapena si legge qualcosa che non sia però troppo impegnativa, troppo lunga, troppo tutto (il deficit di attenzione è una malattia ?!) Scott Walker appare ancor di più una figura mistica, irraggiungibile, quasi irreale. Proprio per questo la sua scomparsa è enorme e sarà come quella di altri grandi della musica dipartiti in questi anni, insostituibile. Purtroppo Scott Walker in Italia è quasi sconosciuto, la sua opera, in particolar modo la più recente e importante, è rimasta lontana ai più, qualcuno ricorderà sicuramente i Walker Brothers (i finti fratelli che volevano rivaleggiare con i Beatles), almeno qualche hits ma poi, quello che successo dopo, di grandissimo, è come il “deserto dei tartari”. Morti e sepolti i Brothers, gruppo che comunque ebbe grande successo (10 album in 3 anni tutti finiti nella TOP10), Scott decise di fare da solo e in qualche modo cercò sistematicamente di allontanarsi da quel successo da stadio che francamente non poteva andare a genio ad un bohemien raffinato, elegante, sorretto da una voce profondissima che rimarrà nella storia e ispirò tutti, soprattutto David Bowie. Siamo nel 1967 e Scott Walker dette alle stampe “SCOTT”, suo primo lavoro solista che cambiò non poco le carte in tavola. Chi si aspettava il sound “easy” dei Brothers ebbe qualche sussulto; debitore del suo mito Breal, “SCOTT 1” (come lo chiameranno in fans) vantava arrangiamenti orchestrali elaborati sostenuti da una voce incredibile, un crooner impossibile da emulare che fece breccia nel cuore di molti artisti a venire. La stessa cosa avvenne in “SCOTT 2” (1968), qui però il songwriting appare più elaborato e arriveranno così anche le prime hits: “The Girls From The Streets” (bellissima) e “Plastic Palace People”. “SCOTT 3”sancirà ancora una crescita artistica rilevante ma sarò il capolavoro “SCOTT 4” (1969) a suggellare in qualche modo la prima parte della carriera solista di questo fenomenale artista americano anti-americano. “SCOTT 4” anche se ancora debitore di Breal aveva arrangiamenti ben più complessi (alla Morricone) con ambientazioni incredibili descritti da liriche poetiche e profonde, quasi da gangster movie che vedevano prostitute e papponi inseriti in un’atmosfera quasi operistica. Dopo questi quattro capolavori Scott iniziò un breve declino che con il senno di poi era soltanto l’antipasto per un nuovo ed incredibile mutamento. “TILT THE BAND COMES IN” (1970) era più debole seppur sorretto dal capolavoro della tile track.“THE MOVIEGOER” (1972) è un disco di cover che aggiunge pochissimo e “STRETCH” (1973) è un bruttissimo disco country mentre “ANY DAY NOW” (1973) e “WE HAD IT ALL” (1974) sono veramente troppo fiacchi per essere considerati lavori del grande Scott Walker. La metamorfosi però era iniziata, il germe delle tenebre che aveva ossessionato Scott fin da bambino si stava impossessando della sua arte. Nel 1975 la reunion dei Walker Brothers con “No Regrets” fu per me sorprendente a partire dalla title track per passare poi al pazzesco “NINE FLIGHTS” del 1978 che influenzò anche Bowie che coverizzò la tile track in “Black Tie White Noise”. Dopo il sorprendente ritorno con i fratelli di sempre, Walker si isolò per anni per risolgere non dalla tenebre ma nelle tenebre con il bellissimo e cupissimo “CLIMATE OF HUNTER” (1984) che in qualche modo iniziò l’ultima parte della carriera di Walker trasformandolo in artista di pura avanguardia. “CLIMATE OF HUNTER” rispetta ancora un’idea di forma canzone, cupissima, ispirata ma totalmente funerea. Passarono ancora molti anni e nel 1995 uscì “TILT”, capolavoro assoluto, indipendente nella sua natura, quasi un insieme di patterns melodici e astratti accompagnati da un canto malinconico e gregoriano come nella sublime “Farmer In The City”, l’apocalittica “The Cockfighter” e la distorta e ipnotica “Tilt”. La funerea “Bolivia 95” è per me uno dei pezzi più importanti degli anni 90.Il disco non lo comprò nessuno, capita, ai capolavori! Dopo 11 anni da “TILT” nel 2006, prodotto dalla mitica 4AD, etichetta simbolo delle avanguardie sonore, esce “DRIFT” il lavoro che ho amato di più per varie ragioni. Scott Walker si pone una domanda:“perché fare ancora canzoncine pop quando ce ne sono a milioni?”Walker qui si trasforma in un compositore classico, espressionista, quasi uno scultore del suono che per certi versi me lo avvicinò, in questo periodo, ai Nine Inch Nails. In questo lavoro, per me grandioso c’è tutta la psicosi dell’attacco terroristico dell’11 settembre. I brani sono tutti fenomenali e il lavoro andrebbe studiato e scrutato a dovere. “BISH BOSH” (2012) riprende a tratti le atmosfere di Drift ma in chiave molto più orchestrale e SOUSED (2014) con i SUMM O))) ancora oggi per me rappresenta un labirinto sonoro che seppur stroncato dai più ancora affascina e ispira. Ne sono sicuro, lassù Scott starai in buona compagnia.

Luca Bartoli

20 Maggio 2022

The Batman – Regia: Matt Reeves

Siamo di fronte ad un Batman davvero notevole, forse il più fumettistico nel senso che è il più aderente ad albi spettacolari come “Città Spezzata” “Batman Hush” e “Il Lungo Halloween”, insomma opere realistiche ed investigative, quasi noir. In realtà abbiamo anche piccole citazioni ai film di Nolan ma anche ai Batman di Burton ma soprattutto c’è un occhio strizzato alla bellissima serie videoludica soprattutto nei combattimenti che sono presi a piene mani dal videogioco. Ci sono anche personaggi riuscitissimi e quasi horror: l’enigmista è inquietante e sembra quasi collegarsi allo Zoadiac di David Fincer ma soprattutto c’è Robert Pattinson che aveva dato grande prova recitativa già in quel capolavoro di The Lighthouse e qui dona all’eroe DC la migliore versione possibile. Triste, cupo, depresso quasi dissociato in un film dove Bruce Wayne si vede pochissimo per lasciare spazio alla sua controparte mascherata. Quindi un film super realistico da una parte ma aderentissimo alle opere fumettistiche, un noir moderno ma in costume. Quando Wayne non indossa la maschera non riesce a rapportarsi con le altre persone e questo è semplicemente stupendo! Pattinson è perfetto con quegli occhi sperduti, quello sguardo malinconico e forse spaventato, una prova commovente che eleva il film almeno ai livelli del “Cavaliere Oscuro”, per me inferiore soprattutto se prendiamo in esame la storia, qui di tutt’altro spessore. Anche il rapporto tra Batman e Catwoman è ben riuscito perché non risulta mai stucchevole e soprattutto lei è inserita profondamente all’interno della storia ed è molto caratterizzata come lo è Gordon, che fa squadra con Batman come due veri detective anche perché nei fumetti viene ripetuto spesso “Batman è il miglior investigatore del mondo” e quest’aspetto nei film precedenti non era mai stato trattato.Un film che ti porta nel mondo torbido e corrotto di Godam City dove anche il pinguino di Colin Farrell pur se non molto presente è ben interpretato e funzionale alla storia (uscirà uno spin-off su di lui). Certo ci sono delle cose che potevano essere gestite meglio come il finale, il personaggio di Alfred, ma si tratta di piccole cose in un universo quasi perfetto che ti fa attendere in maniera spasmodica l’uscita di un nuovo episodio. Quasi un capolavoro. 8,5/10

17-08-2018

DAVID SYLVIAN - SECRETS OF THE BEEHIVE (1987)

Praticamente uno dei dischi più importanti degli anni 80 e della "Pop" music in generale. David Sylvian, ex leader di quei Japan che avevano impressionato sopratutto con "Gentlemen Take Polaroids" alla sua terza prova da solista (sarebbe la quarta se si considera anche l'EP "Words With The Shaman") sfodera un capolavoro senza tempo, impressionante sotto molti punti di vista.

Il suono si fa più essenziale ma musicalmente siamo sempre su livelli stellari, merito Non dei musicisti coinvolti, semplicemente da pelle d'oca (Sakamoto, Mark Isham e David Torn) ma anche da composizioni raffinatissime e forse mai più così ispirate. Per dirla alla Scaruffi "ogni accordo e` un tesoro di emozioni, perfettamente incastonato nell'insieme. Anche il canto e` diventato piu' umano, colloquiale, intimo".

Sylvian mostra in quest'opera struggente una voce pazzesca, più da crooner abbandonando le note più alte a favore di una profondità che mai aveva espresso a questi livelli. Il sound è più acustico e meno sintetico anche se i synth ci sono ma suonano ancora oggi poco datati e originalissimi; le composizioni sono in bilico tra il jazz-rock e un pop di altissimo livello. I brani sono tutti memorabili "Orpheus" (la sua prima hit in cinque anni) "The Devil's Own When Poets", "Dreamed Of Angels", "Mother And Child" e la disperata e meravigliosa "Maria" giusto per citarne qualcuna.

"Secrets Of The Beehive" è un disco che se saprete scoprirlo vi accompagnerà per tutta la vostra vita. MERAVIGLIA.

Irvine Welsh si è formato nei pub inglese, luoghi di sottocultura dove abbiamo visto fiorire l’ultimo baluardo di cultura rimasta. Quentin Tarantino scrisse il suo “Pulp Fiction” proprio appoggiato in qualche locale o nella videoteca dove lavorava, gli stessi luoghi hanno ospitato gli artisti di strada che proprio mentre Irvine pensava al suo capolavoro nascevano fiorenti soprattutto a Londra, pensiamo a Banksy[1] e ai suoi molti seguaci o a Blek Le Rat [2]a Parigi. Il tutto è stato accompagnato dall’ultimo movimento musicale degno di essere chiamato tale, il trip pop[3]. Non è blasfemo affermare che i Massive Attack sono stati i Doors o i Velvet Underground degli anni 90.

Negozi di cd, videoteche a basso costo, pub scalcinati e cinema ricavati da vecchie fabbriche in disuso sono state la scenografia perfetta per tutti questi artisti che volenti o nolenti hanno vissuto l’ultimo baluardo di cultura analogica, quindi umana, che ha calpestato le nostra terra.

Con l’avvento di internet, ma soprattutto con gli smartphone è partita l’era del tutto connesso o peggio ancora del “like[4]” a tutti i costi. Se gli artisti che abbiamo citato fino a questo momento hanno prodotto le loro opere influenzati si dal tessuto sociale, ma liberi di farlo all’interno del loro spazio creativo tutto quello che è venuto dopo è stato solo una rincorsa spasmodica alla ricerca di un consenso, fugace effimero o comunque di livello spesso infimo.

Siamo davvero nell’era dei 15 minuti [5]di Warhol, lo siamo oggi, in un presente vuoto molto più di quando lo era il padre della pop art negli anni 50 che intravedeva si il futuro, predicendolo per carità ma di sicuro non vivendolo.

Morti i luoghi fisici abbiamo visto nascere queste cattedrali virtuali fatte di bit, posti dove tutti possono dire la loro, come Facebook ad esempio ma dove la democrazia appare più quella predetta da Alto Palazzeschi[6]: “la democrazia ha tutto l’aspetto di un astuto ripeto, non esiste nulla di così ingiusto nel dire che questo è uguale per tutti”.

Perché di fatto questa uguaglianza millantata si differenzia solo dal numero di visualizzazioni o di “like” e quindi lo spettatore da fruitore, forse critico, è diventato lui stesso creatore di questo “Mondo Capovolto[7]” alla Terry Gilliam alimentando di fatto un vuoto esistenziale che si fa di anno in anno sempre maggiore.

Le videoteche sono state sostituite dai servizi di streaming, non luoghi dove non solo non si può fare controcultura ma dove si sta soli, come suoi social network dove i migliaia di amici sono in realtà soltanto bit, metacomunicazione, vuoto. E lo stesso trattamento ha subito la musica, il cinema e tutto quello che un tempo era fisico oggi sostituito da una controparte digitale che ha cambiato generi e connotati a tutto il mondo artistico contemporaneo.

Continuare oggi a parlare di scrittori come Irvine Welsh, dando valore al loro operato e anche al formato stampato, enfatizzando un modo “militante” e portarli quindi in contesti accademici dove troppo poco sono stati, non è soltanto un atto dovuto, ma resilienza esistenziale.

Morti i luoghi fisici, quasi tutti possiamo purtroppo dire, rimane solo la scuola anche se martorizzata e bistratta, come palestra non solo creativa ma anche di ribellione autarchica. Andrebbero rivisti i programmi ministeriali, inserire all’interno di modelli che almeno nel nostro paese si sono fatti drammaticamente vetusti opere postmoderne che possono reclamare ancora una volta la loro importanza, sociale e culturale.

Luca Bartoli

14 settembre 2019

Free – Iggy Pop (2019)

Io ho sempre amato il fottuto Iggy Pop, tanto. Non solo i due bellissimi dischi prodotti da Bowie ma anche roba più ostica come “Soldier” e quel capolavoro di “Kill City” mai troppo citato. Poi la sua roba recente è fantastica, il precedente “Post Pop Depression” ad esempio ma anche “Avenue B” del 1999 che in qualche modo si potrebbe avvicinare a questo bellissimo nuovo disco, “Free” per l’appunto.

Come in “Avenue B” qui Iggy Pop cambia registro e piuttosto che riprendere in mano chitarroni in stile punk-rock o un crossover sempre ispiratissimo decide di immergersi in quel capolavoro ultimo di “BlackStar” dell’amico Bowie.

C’è tanto jazz in “Free”, tanta ispirazione artistica e una scrittura concreta di livello assoluto.

8 brani che non smettono mai di sorprendere, piacevoli che compongono un lavoro che sfiora quasi lo status di capolavoro.

4 maggio 2018

L'ISOLA DEI CANI - Wes Anderson

I cani portatori non si sa bane di quale malattia vengono esiliati su un'isola, premessa assurda, alla Wes Anderson appunto ma neppure troppo se si pensa a quello che successe nel periodo fascista.

Chiariamo subito una cosa: il film non può essere visto in Italiano! Putroppo come succede SOLTANTO nel nostro paese nella traduzione il titolo cambia completamente (I Love Dogs in originale) e il doppiaggio devasta un'opera che ha come punto di forza proprio i dialoghi interpretati da attori famossimi che qui a tratti rasentano il sublime (Scarlett Johansson su tutti).

Anderson come in tutte le sue opere enfatizza lo stereotipo della divisa, l'atteggiamento, il macchiettistico farcendo il tutto con un'ironia marcata a cui si perdonano anche certe uscite razziste.

Interessante la scelta di usare lo stop-motion che a me ha riportato a livello visivo ad un certo modo di fare videogame negli anni 90, ma sopratutto mi ha riportato anche alla memoria molte cose orribili che noi essere umani abbiamo partorito nella nostra storia.

Film ambientato in un giappone del futuro apocalittico e sorretto da una colonna sonora che molti troveranno disturbante ma che a me è piaciuta tantissimo.

Il film è notevole a livello visivo, bellissimi alcuni passaggi disegnati a mano che però soffre di un'eccessiva lunghezza che renderà l'opera stucchevole per tutti i detrattori del nostro beniamino. Fantastic Mr. Fox e Grand Budapest probabilmente stavano su un altro livello soprattutto a livello di sceneggiatura, qui davvero debole; insomma un Wes Anderson minore che però si eleva, ripeto, per una colonna sonora di un altro pianeta che da sola vale il film!